En uno de nuestros artículos de libros,  hicimos mención del libro editado por la curadora Sonia Voss  “La libertad dentro de nosotros”   que relata  una época (1949 – 1989) muy importante en la historia de la fotografía, y se centra en cómo, en un estado autoritario que se basa en las restricciones físicas del cuerpo, la fotografía era un medio donde el individuo afirma, resiste y expresa su libertad. En este artículo te mostramos algunas de las fotografías de este libro.

Estas fotografías, representan la década anterior a la caída del Muro de Berlín, y fueron tomadas por 14 fotógrafos diferentes.

Una época muy importante en la historia de la fotografía.

Ute Mahler y Sibylle Bergemann pasaron sus días en público como fotógrafos oficiales para la prensa estatal mientras perseguían en secreto su propio trabajo artístico a puerta cerrada.

Ute Mahler, Sundhausen, la familia K. (serie Viviendo juntos), 1974/ Fotos: wepresent.wetransfer.com

Otros, como Manfred Paul, enseñaron en Hochschule für Grafik und Buchkunst en Leipzig, un instituto educativo altamente controlado, y crearían trabajo en la noche a la altura de lo que se vio obligado a enseñar. Esto incluía retratos privados de su esposa tomados cuando estaba en trabajo de parto, lo que daba la impresión de que estaba en medio de la euforia sexual.

Gundula Schulze Eldowy, Berlín 1987 (serie Berlín en una noche de perro)/ Fotos: wepresent.wetransfer.com

Paul también usó una cámara Polaroid para crear una serie de interesantes autorretratos que reflejan su frustración por no poder expresar su verdadero ser. 

Manfred Paul, de la serie Autorretratos I, 1988 / Fotos: wepresent.wetransfer.com

«En todo mi trabajo, estoy reaccionando a mi propio estado emocional. Poco antes de la caída del Muro, pasé por un período de malestar interno. Esperanza y miedo. Un amigo francés me trajo la cámara. Hablé con él sobre la necesidad de hacer autorretratos y esta fue la herramienta ideal para el proyecto”.

El libro “La libertad dentro de nosotros”,  también presenta el trabajo extraordinario de la feminista radical y artista de performance Gabriele Stötzer, quien eligió una forma más activa de protesta y resistencia, y posteriormente pasó un período traumático de poco más de veinte años en una prisión de mujeres de máxima seguridad.

Stötzer está presente en la exposición en Arles. Ahora, de 66 años, recuerda que con solo 23 años pasó un año en prisión después de organizar una protesta en defensa de un compañero de estudios que fue denunciado como un «enemigo del estado». Ella le cuenta a Voss que fue enviada a la prisión de Hoheneck (también conocida como Ciudadela de Asesinos) durante un año, rodeada de muchas mujeres que cumplen largas condenas. 

«Hasta ese momento, siempre había pensado en el asesinato como algo masculino. Eran lesbianas, aunque en la RDA ni siquiera tenían una palabra para eso. Estaban tatuados por todas partes y, a menudo, se automutilaban; rompiendo vidrio para que pudieran ensangrentarse con él. Salí de prisión totalmente desilusionado sobre los ideales socialistas. Estaba tan enojado que hablé y escribí sobre eso inmediatamente una vez que estuve fuera”.

El trabajo de Stötzer y sus contemporáneos formaron un «momento zeitgeist», dice Paul Moorhouse, curador del retrato contemporáneo en la National Portrait Gallery de Londres, por teléfono. «Los artistas usaron el cuerpo como un arma, pero también como un sitio de experiencia», dice Moorhouse. “El cuerpo se convirtió en el lienzo. Se convirtió en la obra de arte”.

La fotografía: Un medio para expresar libertad.

Después de su liberación, la Stasi observó cuidadosamente a Stötzer. Ella muestra una serie de retratos que tomó de un joven travesti: un hombre que ansiaba vivir como mujer. Pregunto sobre el tema en las fotos, quien, con un par de tacones altos y maquillaje, se involucra con la cámara de Stötzer como si fuera liberada por primera vez.

Barbara Metselaar Berthold, de la serie Fiestas en Berlín Este, 1982-84 / Fotos: wepresent.wetransfer.com

«Tenía un problema real con su pene y quería que se lo quitaran con una operación. Había comenzado a usar vestidos en la pequeña ciudad de donde venía, y eso lo convirtió en un objetivo».

Christiane Eisler, Skiny, 1986 / Christiane Eisler, Imad, 1984/ Fotos: wepresent.wetransfer.com

Voss muestra una serie de retratos de Christiane Eisler, una estudiante de fotografía de Leipzig que invirtió las austeras reglas del realismo social con su reverente retrato de la emergente escena punk en la pequeña ciudad del este de Alemania.

“Vivía en un piso húmedo y maduro para ser demolido en Seeburgviertel. El baño estaba en la escalera, medio piso más abajo. Pero tuve mi paz allí. Y luego simplemente se arrastraron junto a mí; cuando salí a la luz del día desde mi patio trasero, los vi allí: figuras marrones y desaliñadas vestidas de cuero, un poco gruñonas y que apestaban a alcohol y cigarrillos. Desde entonces caminé por la ciudad con los punks de Leipzig”.

En otra parte, al anochecer, después de un día fotografiando para la prensa oficial, Sibylle Bergemann organizaría y fotografiaría desfiles de moda secretos como parte de un colectivo de mujeres llamado «Chic, Charmant & Dauerhaf», que se traduce como “Elegante, encantadora y para quedarse”. Esta era una forma implícita de resistencia; la ropa fue decidida por la RDA.

Sibylle Bergemann, Heike, Berlín (serie Allerleirauh), 1988 /  Fotos: wepresent.wetransfer.com

«Mostramos una mezcla de nuestros propios diseños. Algunas cosidas o tejidas por nosotros mismos, algunas ropas extrañas que desenterramos en nuestros propios armarios o en los de nuestras abuelas, y todo lo que pudiéramos meter debajo del prensatelas de una máquina de coser: ropa de cama hecha de algodón excelente, o pañales y cortinas de baño, todo el camino hacia las láminas utilizadas en la agricultura”.

Luego está York Der Knoefel, un fotógrafo autodidacta de Berlín que, cuando estudiaba en la Academia de Artes Visuales de Dresde, había construido un laberinto de placas de acero, en el que había montado fotografías tomadas dentro de un matadero estatal en el este Berlina. El trabajo parece establecer paralelismos entre los ciudadanos de Alemania del Este y los animales que condujeron a su muerte en VEB Fleischkombinat.

Rudolf Schäfer, mientras tanto, obtuvo acceso a la morgue del Hospital Charité de Berlín Este, donde filmó retratos del recién fallecido cuidadosamente enmarcados y exquisitamente iluminados. 

«Me encanta cómo, incluso en la muerte, los retratos revelan la singularidad de cada persona»

Con respecto a la primera vez que tuvo el coraje de sacar su cámara en la morgue, Schäfer recuerda:

“Ese día en el Hospital Charité donde me paré frente al cadáver de un hombre por primera vez en mi vida, olvidé todo lo que Había querido hacer. Mi impulso fue huir. Pero las caras de todos los cadáveres me mantuvieron allí y así es como hice que esto funcionara”.

Las fotos son impactantes. No están destinados a ser objetos de belleza.

York der Knoefel, de la serie carniceros, 1986–88 / Fotos: wepresent.wetransfer.com

«Son simplemente, en el sentido más estricto del término, consistentes en su enfoque del tema. Las imágenes de las víctimas de un terremoto, un ataque terrorista, una sobredosis de drogas o un accidente de tráfico son imágenes que siempre vemos pensando: ‘Espero que eso nunca me pase a mí’. Mis imágenes son consistentes en su enfoque del tema, porque no dan a los espectadores ninguna posibilidad de ausentarse de ellas”.

La obra de arte creada por estos pioneros disidentes sigue siendo sorprendente y urgentemente relevante, como lo demuestran su reacción e influencia continua.

El uso del cuerpo como herramienta política, un lienzo sobre el cual se pueden exhibir actos de protesta, ahora está muy extendido en los movimientos de protesta de hoy: Extinción Rebelión, Black Lives Matter o #MeToo. En países como China, Rusia y Turquía, donde la represión estatal de la expresión artística y la prensa libre es de rigor, el fotoperiodismo tradicional y el reportaje documental han cedido a un estilo más relacional y performativo de arte de protesta, a menudo con un enfoque explícito e inquebrantable. sobre sexualidad, expectativas de género y el cuerpo político.

Los artistas de la RDA son los hermanos y hermanas de los artistas que luchan con las mismas preguntas aquí y ahora, usan las mismas estrategias y continúan redefiniendo ideas de identidad, representación y protesta bajo regímenes comparativamente brutales y controladores.